En los años noventa crecieron las experiencias múltiples. Fotógrafos y videoartistas se posicionaron al alza frente a pintores y escultores que, sin embargo, vendían (y aún venden) más que aquellos. Hubo grandes despilfarros presupuestarios de la administración pública, países, comisarios, galerías y colecciones invitadas, gastos pagados y barra libre. Peleas interminables (para formar parte del juego) y colas interminables (para entrar en los pasillos de Ifema, moqueta gris mediante) en una feria ruidosa que año tras año batió récords. Algunas galerías aprovecharon el tirón mediático. Otras quedaron fuera de juego, por vender demasiado o, quizás, no comulgar con tanto decorado. Arco dinamizaba España, pero aumentaban sus injusticias y disminuían sus ventas.

Hubo vueltas de tuerca en la primera década del siglo XXI, entre ensayos, ‘chill-out’, ‘proyect-rooms’, ‘black-box’ inauguraciones glamurosas y nuevos directores. Arco ya no era el abanderado nacional, entre otras cosas, porque las comunidades reclamaban sus propias banderas. Desde entonces, la feria madrileña imita otras más norteñas y prestigiosas, pero pierde el norte con frecuencia. Le crecen los enanos (JustMadrid, ArtMadrid) y las fiestas.

Mañana se cierra la primera edición de la cuarta década de Arco, pero los dimes y diretes de esta feria, me temo, no van a cambiar nunca.

«El sabio cambia de opinión;el necio, nunca» (Immanuel Kant)

Numerosos jóvenes ‘alnorteños’ coinciden en la feria con los artistas internacionales que vinieron a Asturias de la mano de EL COMERCIO

Resulta inevitablemente grato pasear por Arco 2012 coincidiendo con los numerosos colaboradores de la Semana de Arte Contemporáneo que organiza EL COMERCIO y que, en diciembre, celebró su décimo aniversario. Orgullo y pasión para este periódico centenario y para los numerosos patrocinadores públicos y privados que colaboran con AlNorte.

La nómina tiene ánimo intergeneracional, como el propio espíritu del evento. En ella conviven jóvenes que, en su día, recibieron becas para organizar sus primeros proyectos expositivos, junto a veteranos artistas internacionales que dirigieron talleres en las sucesivas ediciones de la semana, desde su fundación en 2002. Entre los primeros destaca Pablo Armesto (beca AlNorte 2005) que participa por primera vez en Arco, de la mano de Marlborough. Su obra coincide en este prestigioso espacio con Pelayo Ortega, creador del logotipo AlNorte y veterano en esta feria, donde brilla ininterrumpidamente desde 1986, primero con la gijonesa Cornión y, desde hace doce años, con la citada galería multinacional con sedes en Madrid, Nueva York, Londres y Mónaco.

Otro joven que destaca en Arco 2012 es Iván Pérez (beca AlNorte 2006) que también ha coordinado el Festival de Videos 143 Delicias en la última edición de la semana de arte. Sus fotografías están en la galería JM. Además, Rebeca Menéndez (beca AlNorte 2003), es una de las fijas de Espacio Líquido y el colectivo Aggtelek (beca AlNorte 2008) de Luis Adelantado. Los montajes tridimensionales del inquieto Guillermo Mora (beca AlNorte 2005) se exhiben por primera vez en Formato Cómodo, que le ha elegido como ‘Artista Destacado’ de Arco, al igual que Avelino Sala, colaborador asiduo de AlNorte, que preside el ‘stand’ de Raquel Ponce.

Grandes maestros

Si hablamos de los grandes maestros que han venido a Avilés, Gijón y Oviedo de la mano de EL COMERCIO, la lista es aún más amplia, ya que AlNorte ha organizado en sus diez ediciones más de cuarenta talleres de artistas, con muchos habituales en Arco. Así, se mantienen las monumentales obras de Chirino, Genovés, Antonio López, Carlos Franco y Alfonso Albacete, en Marlborough, y llama poderosamente la atención la abrumante presencia de José Manuel Ballester, que participó en AlNorte 2010 tras recibir el Premio Nacional de Fotografía. Su obra puede admirarse en las galerías Dan, Distrito 4 y Pilar Serra. Otro fotógrafo que estuvo en AlNorte, Ángel Marcos, distribuye sus trabajos entre las galerías Trayecto, de Vitoria, y Hilger, de Viena. Completan la amalgama de ilustres artistas Pello Irazu, Bleda y Rosa, Sergi Aguilar, Concha Jerez y Bernardí Roig, que exponen en varios espacios nacionales y extranjeros. Ellos, y numerosos teóricos ‘alnorteños’, defienden estos días en Madrid el espíritu de AlNorte, donde lo bien hecho, bien parece.

Hace tres años, durante la última individual de Tàpies en Madrid, las obras no gustaron demasiado a propios y extraños. Quizás porque latía cierta decadencia entre aquellas composiciones, o porque la deriva mercantil de aquel proyecto provocaba en quienes le admiramos cierta tristeza, en el cénit de un creador que ya lo había expuesto todo.

Pero a Tàpies no basta con mirarle. Hay que leerle, como a otros grandes maestros recientemente fallecidos (Chillida, Oteiza, Lucio Muñoz…), cuyos pensamientos son más potentes y enriquecedores que sus últimas pinturas o esculturas. Son símbolos paralelos a su universo propio. Así, Tàpies ha escrito mucho, y atesora importantes publicaciones. En aquella exposición se presentó el libro ‘La realidad como arte’, selección de artículos del artista catalán, ejemplo de intelectual y amante de la filosofía que integraba su cosmovisión en cada pintura. Una auténtica declaración de intenciones; un tesoro para el pensamiento actual.

Tàpies no ha sido sólo un referente artístico del informalismo europeo. Fue un escritor capaz de reflexionar en profundidad sobre la esencia del ser humano, tendiendo puentes entre Oriente y Occidente. En la primera parte de ese último libro (‘La realidad como arte, 1974-1979’), se desvela su acercamiento al comunismo como ciencia económica y política, creyendo en un mundo más justo y denunciando, de paso, los excesos de esa izquierda que años atrás luchaba contra la dictadura. En la segunda parte (‘Por un arte moderno y progresista, 1981-1985’), Tàpies analiza la sociedad contemporánea y reivindica el concepto de progreso bajo una perspectiva científica, ética y estética. Es una lúcida crítica del relativismo postmoderno que se funde con la vida, la sociedad y la historia, sin aspavientos.

«El arte es la filosofía que refleja un pensamiento» (Antoni Tápies)

Nebulosas cautivas, medusas, acomodos, momentos y equilibrios son las lecturas temáticas de los ‘vidrios escultóricos’ que viene presentando desde hace siete años Luis Parades (Las Regueras, 1964), cuyas obras ocuparon las salas de Cajastur de Avilés, Gijón y Mieres entre diciembre de 2009 y enero de 2010. El artista asturiano, con una amplia formación, es uno de los pocos españoles que dominan perfectamente el ‘roll-up’, técnica especial de soplado que prima entre sus numerosas creaciones.

Parades también realiza piezas mediante termofundido, termoformado, ‘casting’ y técnicas frías (arenado, pulido, grabado…), que ahora confluyen en el singular proyecto expositivo que inauguró ayer la galería Lola Orato, en Oviedo.

Rosa Méndez y el Estudio Martín Rojas han unido sus trabajos con Parades para proponer tres ideas bajo una inspiración común. La pureza del agua entendida como materia despojada, lejos del ornamento, y el arte simbolizado en una burbuja líquida, atrapada en el infinito. El conjunto busca la intimidad y parte de hermosas levedades.

En su afán por mostrar piezas inéditas procedentes de las colecciones de los propios artistas, la galería Van Dyck ha preparado una gran exposición antológica que se inaugura el próximo viernes, con una selección de trabajos realizados por Francisco Farreras desde 1962 a nuestros días. El pintor catalán continúa trabajando febrilmente, desarrollando obras no viciadas por la lógica de los ritmos sociales y persiguiendo la génesis primaria de la pintura, mientras anhela comunicar su espíritu con la materia.

Farreras expuso en Van Dyck en dos ocasiones (2007 y 2009) pero ahora aporta una mirada retrospectiva, que permite analizar varias etapas. Desde sus comienzos mantuvo una equidistancia entre el informalismo catalán de raíces matéricas, que miraba hacia Europa, y el informalismo madrileño, de tendencia expresionista, más propio de la ola norteamericana. Los ‘collages’ son el santo y seña de este artista que comenzó a exponer en el circuito español hace ya siete décadas. Vendrían más tarde sus experiencias con papel de seda, repletos de veladuras y transparencias, y las investigaciones de los años sesenta, con un paso obligado y fructífero por Nueva York. En 1984 introdujo sus singulares ‘coudrages’ monocromos, maderas que proporcionaban un renovador volumen a sus telas, cosidas y tensadas a alturas desiguales. Todo ello derivó en los relieves más austeros y rotundos, que le ocupan en los últimos veinte años, con materiales de derribos como mesas tocineras, tablas de lavar y cajas de utensilios.

Con el paso del tiempo, la pasión enérgica de Farreras se ha transmutado tras la creciente delicadeza. Sus primeras exposiciones, figurativas y geométricas, sorprendían por la sobriedad cromática. Estructuras meticulosas cuya acotación de espacios interiores generaba contenidos y armonías ocultas, técnicamente impecables, y traducían intensos significados y significantes. Aquí hay ejemplos de todos esos periodos, y de otros de luces más concentradas que mantienen viva esa poética entre lo visceral y lo existencial. El arte asumido como presente dinámico.

La muestra sirve también para comprender la transformación de sus arquetipos matéricos. Las texturas se han reoredenado progresivamente, alternando los efectos apaisados o verticales mediante reminiscencias orgánicas. El cuadro asume su carácter ‘ideal’ como suma de componentes, pero su armonía es visible mediante enredos aparentemente invisibles. Un homenaje al misterio, un saludable intento para que este honesto autor mantenga su interés por ese orden oculto que ha buscado durante setenta años y que, sorprendentemente, aún le mantiene en esta feliz fase de experimentación constante.

Pinturas, instalaciones y vídeos de cinco jóvenes mexicanos, en la sala Espacio Líquido

En la película de Luis Buñuel ‘El ángel exterminador’ (1962) varias personas conviven en una habitación claustrofóbica, entre la necesidad de escapar fuera y el deseo de permanecer dentro. En cierta medida, cada exposición colectiva supone una ceremonia de confraternización donde los individuos estudian los límites y la manera de superarlos. Esas tesis y la condición de ‘encierro’, son algunas claves del proyecto de Ruth Estévez, que ha comisariado para Espacio Líquido la muestra ‘La periferia del círculo’, con obras de cinco jóvenes artistas mexicanos. La galería tiene la mirada puesta en varias ferias latinoamericanas y, con su pequeña sede de la calle Jovellanos (la sala ha reducido mucho su anterior espacio expositivo) pretende ahora abordar nuevos proyectos, bajo una suerte de estética relacional donde se transmutan los argumentos individuales viajando a otras direcciones posibles.

En el caso que nos ocupa se trata de piezas en distintos soportes, que aluden al eterno retorno de artistas formados en zonas periféricas, cuya pobreza ha sido, y aún es, la génesis de sus vivencias culturales, sociales y creativas. El círculo se toma aquí como una suerte de metáfora sobre esa (imposible) huída, y sobre la falta de recursos.

Edgardo Aragón presenta su serie ‘Efectos de familia’, un conjunto de videos sobre las estrategias del narcotráfico y el ejército, planteando recreaciones de esa frontera ‘doméstica’ que el propio artista tuvo que habitar cuando era niño. Ricardo Cuevas, en ‘Walking with the Ghost’, ironiza sobre una frontera simbólica, en formato pseudoliterario. El libro está vacío y su contenido se ha perdido para siempre. El fin del encierro nos lleva, de nuevo, hacia la soledad del principio.

El vídeo de José Jiménez Ortiz (‘El mapa no es el territorio’) atesora ritmos narrativos. Una joven trata de escapar en las calles de Monterrey, pero no lo consigue, atrapada en el silencio de la gran ciudad. No hay música, ni ruidos, sólo angustia y acongojamiento. Algo similar propone Begoña Morales en ‘La continuidad del lugar’, que en su caso ha escogido al espectador como protagonista de la historia. Reductos en forma de viviendas sociales, alegorías de los sueños imposibles que ofrece el gobierno local.

La obra central de la exposición son las composiciones de José Antonio Vega Macoleta, un cúmulo de dibujos de huellas que generan el micromundo de un preso y las frases percibidas durante sus caminos por la cárcel. Recorridos alienantes y claustrofóbicas espirales, de tragedias más o menos anónimas.

La huella como fuente de inspiración, la piel como límite inmaterial y la materia como sustancia de la obra y el ‘yo’ creativo. Agustín García Benito se inspira en esas premisas para explicar el arte como testimonio del mundo en las dos exposiciones que presenta estos días en el circuito asturiano, ocupando el Museo Antón de Candás y la sala Alfara de Oviedo.

Respeto por la tradición, «desmontando la acaparadora presencia de lo meramente actual» (palabras de José Antonio Méndez en el catálogo candasino) y una saludable atracción por «el paso del tiempo y su orografía» (Alfredo Navarro ‘dixit’) son otras reflexiones de García Benito, profesor de la Escuela de Arte de Oviedo, que ha modelado papeles, cerámica o bronces sin que apenas se note, para que ese vestigio del ayer asuma la austeridad y la delicadeza como compañeros de su viaje infinito. Una sugerente prupuesta, repleta de poesía, para mirar y pensar, analizando los vaivenes de la historia y la naturaleza de las cosas.

Las nuevas redes del arte, los filtros del mercado actual, el comisariado del siglo XXI, la regeneración creativa y la actualidad del coleccionismo internacional son los cinco ejes discursivos que ocuparán los foros de debate durante la próxima edición de Arco, del 15 al 19 de febrero. Será lo más interesante del programa de la XXXI Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Madrid, una edición más reducida que nunca, con solo 150 galerías e importantes ausencias. Como única novedad, la sección ‘After Arco’, fuera del parque ferial, que prolongará la programación con actividades nocturnas.

La presencia de nuestra región será mínima, fruto de esfuerzos privados e ilusiones individuales. La galería Espacio Líquido es la única incluida en el programa, manteniendo encendida una leve llama de esperanza en esta Asturias cultural de horas tan bajas, agobiada por la crisis económica y acuciada por trifulcas políticas verdaderamente lamentables.

Lejos quedan aquellos días donde tuvimos tres galerías en la feria e importantes aportaciones institucionales. Hoy Arco se ha profesionalizado en ciertos ámbitos, pero se ha banalizado en muchos otros.Ya no es aquel estandarte para la dinamización del arte contemporáneo español, entre otras cosas, porque su auténtica fuerza motriz es el coleccionismo, y camina alejado de los apoyos públicos.

Viejas y nuevas galerías se cierran sin cesar en nuestro país, donde Arco 2012 es otro espejo de nuestro tiempo. La administración ya no será la clave de los pasillos de esta feria. Los profesionales debemos buscar otras miradas, otras vías y opciones. Por ejemplo, mirar los mercados emergentes de otras latitudes. O lanzar cantos de sirena. O la claudicación extrema.

«Estoy solo y no hay nadie en el espejo» (Jorge Luis Borges)

Ayer tiré al contenedor azul cincuenta novelas, doscientos catálogos y varias decenas de papeles. Las presiones familiares y los problemas de espacio vencieron a mi añeja afición por atesorar libros y apuntes. En la operación también perdí (involuntariamente) una pequeña obra de arte, pero esa es otra historia.

La trama acelerada nos ha convertido en consumidores frenéticos de experiencias y, al agotarlas, sentimos un vacío. Quizás por eso, algunos amamos los ‘ephemera’, esos materiales ajenos a la perpetuidad que apenas duran un día. Escritos, objetos más o menos trascendentes que vienen y van, como un periódico.

Hace un siglo, los padres de las vanguardias históricas pusieron de moda la obra de arte efímera, traducida inicialmente a ‘performances’ y proyectada después a múltiples soportes. En su libro ‘El imperio de lo efímero’ Lipovetsky desnuda los entresijos de la modernidad occidental lanzando provocativas tesis. Dice que, más allá de las inquietudes que suscita esta sociedad de la obsolescencia, la moda es un instrumento de consolidación para las dinámicas contemporáneas.

El año pasado, en la Fundación Proa de Buenos Aires, Matilde Sánchez rompió (involuntariamente) la instalación ‘Reacción’ del argentino Jorge Macchi, una suerte de vidrio postduchampiano que simulaba una valla de seguridad. La periodista ‘reaccionó’ con escasa gracilidad frente a la malograda pieza porque se había prendado del artista suizo del momento, Frabrice Gigy, cuya obra imitaba un gran pene. Matilde Sánchez (una de sus novelas se titula ‘Daños materiales’) ironizó sobre su acto, que tachó de ‘involuntario vandalismo’. La obra de Macchi valía cincuenta mil dólares. Las modas son efímeras, pero las reacciones son eternas.

«No cultivo mi fama; será efímera» (Jorge Luis Borges)

Otro encuentro múltiple en la galería Texu que suma, a partir de esta exposición, un nuevo espacio exclusivo para videoarte. Para abrir boca, una ‘performance’ inaugural del malagueño Francisco Javier Toro (’Blas’). Además, el asturiano Ernesto Junco y el irlandés Gawin Owens.

Triple propuesta de carácter ecléctico e integrador, como viene siendo habitual en la sala ovetense. Acciones, imágenes en movimiento y abstracciones postpictóricas. De fondo, la temática de la introversión, inspirando ese desasosiego de las escenas propuestas por Owens, las reacciones frente a «lo inevitable» de ‘Blas’ y el enfrentamiento entre las geometrías y las naturalezas compuestas por Junco. Este último exhibe pinturas en línea con las que había mostrado el año pasado en la galería Adriana Suárez y la sala Borrón, confluencias entre realidades y juegos oníricos, buscando conceptos fronterizos. Owens, que reside en Grado desde 2007, presenta cinco audiovisuales con una línea conceptual inspirada en el agua. Finalmente, la inquieta interactividad de ‘Blas’ se resume en su ‘cartografía de paraguas’, una instalación que abraza ideas, visiones y habilidades.